Das Vitra Design Museum ist ein einzigartiges Ensemble zeitgenössischer Architektur. Es vermittelt Geschichte und Gegenwart des Designs und setzt diese in Beziehung zu Architektur, Kunst und Alltagskultur.

Im Museumsbau von Frank Gehry, dem Schaudepot von Herzog & de Meuron und an anderen Orten auf dem Vitra Campus werden Ausstellungen zu einer breiten Themenpalette aus Design und Architektur gezeigt. Grundlage der Arbeit ist eine einzigartige Sammlung von Möbeln, Leuchten und Interior Design.

„So viel als kurze Einführung.“ Als ich auf dem Gelände umherschlenderte, war ich überrascht, wie vielfältig sich das weitläufige Areal präsentiert. Vom Parkplatz aus gesehen dominiert zuerst der riesige Vitra Slide Tower, bevor man von der spektakulären Architektur der einzelnen Gebäude in Bann gezogen wird.

Das Vitra Haus, davor der Watergarden des Landschaftsarchitekten Bas Smet, das Schaudepot, die Vitra Fire Station, das Design Museum, um nur einige zu nennen.

Fotografieren, ohne Blitz, ist hier ausdrücklich erlaubt.

Die Designmöbel des Schweizer Unternehmens Vitra werden hauptsächlich auf dem Vitra Gelände in Weil hergestellt und auch diese Produktionsgebäude sind architektonisch sehenswert.

Aufgrund der Hitzeperiode der letzten Wochen war der von Piet Oudolf gestaltete Park eher trocken und staubig, das Gras mehr gelbbraun als grün. Es herrschten 39°C und man hatte das Gefühl sich ducken zu müssen, wenn man auf dem Weg zum nächsten Gebäude eine offene Fläche überquerte. Der Andrang hielt sich an diesem Tag in Grenzen, eine gute Gelegenheit zu Street Fotografie.

Da die meisten Menschen sich mit einem Vitra Schirm vor der sengenden Sonne schützten, entschied ich mich spontan für ein zusätzliches Sonnenschirm Projekt.

Die Sonne brannte herab, der Asphalt glühte und ich suchte immer wieder den spärlichen Schatten der paar Kirschbäume, die im Frühjahr, laut Internet-Prospekt, das Gelände mit ihren Blüten bereichern.

Aber jetzt ist Hochsommer und was für einer. Global warming und immer neue Hitzerekorde. Die Kamera in meiner schweißnassen Hand meldete ebenfalls Überhitzung und dass sie demnächst die Funktion beenden werde, wenn ich sie nicht für eine gewisse Zeit ausschalte.

Das war für mich ein eindeutiges Zeichen für eine Getränkepause im Café.

Nach einem eiskalten Eiscafé wanderte ich weiter zu einem Labyrinth, einem Bauwerk aus rotrostigen, gebogenen und senkrecht aufgestellten Stahlplatten. Die verschlungenen Wege führen durch einen Tunnel zu einer beeindruckenden Klanggrotte. Leise, einem Gong ähnliche Vibrationen schwingen durch die Höhlungen. Normalerweise fließt hier wohl Wasser, doch nicht an diesem Tag. Trotzdem war es verhältnismäßig kühl und ich konnte einige Fotos aus diesem besonderen Ort mitnehmen.

Nach einigen schweißtreibenden Stunden waren meine Energie erschöpft und auch die Akkus meiner Kamera leer. Es war eine anstrengende, aber spannende Fototour und mit dem festen Entschluss einer Wiederholung stieg ich ins Auto. Dann hoffentlich bei anderen Temperaturen.

M.Guggolz

Weitere Fotos zu diesem Thema finden Sie in der Rubrik Street Fotografie/Basel.

Der Beitrag Vitra Design Museum erschien zuerst auf Michael Guggolz.

Zwischen zwei Wimpernschlägen liegt ein Augenblick. Ein extrem kurzer Moment, kaum wahrnehmbar – und doch voller Möglichkeiten. Genau solche Augenblicke sichtbar zu machen, ist die Essenz der Highspeed-Fotografie.

Die „andere Seite von Blubb“ beginnt genau dort, wo Überraschung und Zufall den Charakter einer Figur prägen.

In diesem Beitrag steht weniger die Suche nach der perfekten Form im Mittelpunkt, sondern die erstaunliche Vielfalt der Figuren, die auf dem Weg dorthin entsteht.

Neben einer gewissen technischen Affinität braucht man in der Tropfenfotografie vor allem Zeit. Und Geduld. Viel Geduld. Beides konnte ich in den vergangenen Monaten aus verschiedenen Gründen nicht aufbringen. Die Muse fehlte, die Muße ebenso und mein Tropfenstudio blieb ungenutzt. Die Tropfenanlage stand still. Und wie so manches technische Gerät, das zu lange unbeachtet bleibt, nahm sie mir das ein wenig übel.

Kunst ist, was gefällt?

Neben den klassischen fotografischen Kriterien wie Belichtung, Schärfe, Schärfentiefe und Lichtführung gibt es für Tropfenfiguren keine allgemein gültigen Bewertungsmaßstäbe. Im Laufe der Jahre habe ich festgestellt, dass Betrachter in den Wasserskulpturen häufig etwas Vertrautes erkennen möchten: Tiere, Pflanzen, Gegenstände oder Fantasiegestalten. Solche Assoziationen helfen dabei, einen Zugang zu den Bildern zu finden.

Ich möchte Ihnen zeigen, wie unterschiedlich Wasserskulpturen ausfallen können und welche Rolle der Zufall dabei spielt. Trotz sorgfältiger Planung entstehen oft Formen mit einer ganz eigenen Ästhetik – manchmal gerade dann, wenn die Kontrolle verloren geht. Die Interpretation bleibt dabei stets subjektiv.

Zeit ist relativ

In der Tropfenfotografie spielt Zeit eine zentrale Rolle. Einerseits bewegen wir uns im Bereich weniger Millisekunden, andererseits können zwischen Idee und fertigem Bild mehrere Tage liegen.

Vor Kurzem ergab sich für mich eine zusammenhängende Phase von einigen Tagen, die ich vollständig meiner Leidenschaft widmen konnte: der Suche nach der perfekten Figur.

Obwohl ich mich seit inzwischen sechs Jahren intensiv mit diesem Thema beschäftige, entdecke ich immer wieder neue Möglichkeiten und Techniken, andere Figuren zu kreieren.

Aller Anfang ist schwer

Die Wiederinbetriebnahme meiner selbst gebauten Tropfenanlage erwies sich als deutlich aufwändiger als erwartet. Um einen Begriff aus der Oldtimer-Szene zu verwenden: Sie hatte „Standschäden“ entwickelt.

Ventile mussten gereinigt, verklebte Düsen gesäubert und Dichtungen ersetzt werden. Auch die Elektronik verlangte eine Neuinstallation. Allein diese Arbeiten nahmen zwei Tage in Anspruch.

Und nicht zuletzt musste auch ich selbst wieder in die Materie hineinfinden. Maschine und Mensch waren gleichermaßen aus der Übung.

Wie entsteht eine Tropfenskulptur?

Tropfenkollisionen sind mit bloßem Auge kaum wahrnehmbar. Innerhalb von etwa 25 Millisekunden entsteht und vergeht eine Figur.

Ich versuche Wasser zu formen und die etwa sieben bis zehn Zentimeter hohen Wasserskulpturen für diesen winzigen Augenblick einzufrieren, quasi zum „Stehen“ zu bringen.

Dabei beeinflussen zahlreiche Parameter das Ergebnis: hydrostatischer Druck, Viskosität der Flüssigkeiten, Fallhöhe oder die Größe der Tropfen. Werden zusätzliche Elemente wie Rauch, Feuer, Luftstöße oder feste Objekte eingebunden, steigt die Komplexität des Setups erheblich und das Timing mit mehreren Ventilen wird zunehmend anspruchsvoll.

Dies fotografisch festzuhalten, ist eine zusätzliche Herausforderung.

Die Chaosphase

Eine Tropfensession dauert in meinem Studio typischerweise fünf bis sieben Stunden. In dieser Zeit versuche ich, eine bestimmte Wasserskulptur schrittweise aufzubauen.

Jeder Tropfenfotograf – unabhängig von seiner Erfahrung – durchläuft dabei eine Phase, die ich die „Chaosphase“ nenne. Hier wird die Dynamik des Geschehens und die eigentliche Bedeutung von Highspeed-Fotografie besonders deutlich.

Vereinfacht dargestellt fällt ein Tropfen nach unten, während ihm von unten eine Flüssigkeitssäule entgegen steigt. Zunächst muss überhaupt der Kollisionspunkt gefunden werden. Gleichzeitig gilt es, diesen innerhalb der sehr kleinen Schärfentiefe präzise abzubilden.

Auf dem Kameradisplay erscheinen anfangs jedoch meist nur Explosionen aus Tropfen, Spritzern und Farbresten. Dieses scheinbare Chaos muss analysiert und verstanden werden. Durch minimale Veränderungen einzelner Parameter – oft entscheiden Millimeter und Millisekunden – nähert man sich Schritt für Schritt der gewünschten Form an.

Der entscheidende Faktor ist dabei stets das Timing.

Oder anders formuliert: Man verbringt Stunden damit, wenige Millisekunden zu kontrollieren. Das ist zugleich das Faszinierende an diesem Genre: Kaum glaubt man, etwas verstanden zu haben, beweist einem der nächste Tropfen das Gegenteil.

Die Ausbeute

Je nach Schwierigkeitsgrad des Setups verbleiben nach dem Löschen aller Test- und Orientierungsaufnahmen zwischen 80 und 200 Bilder auf der Festplatte.

Meine persönlichen Favoriten sind die sorgfältig ausgearbeiteten und möglichst präzise geplanten Figuren – soweit man in der TropfenfotograFie überhaupt von Planung sprechen kann. Nach einer ersten Bewertung im Sterne-System bleiben meist etwa zehn Prozent der Aufnahmen übrig. Diese Auswahl reduziere ich weiter und bearbeite schließlich einige wenige Bilder.

Dabei achte ich auf Vollständigkeit, Symmetrie, harmonische Formen, gelungene Farbkombinationen und andere gestalterische Aspekte.

Während der Auswahl fielen mir jedoch immer wieder Figuren auf, die im Verlauf der Annäherung an die eigentliche Zielskulptur entstanden waren. Auch diese Bilder habe ich archiviert und einige davon für diesen Beitrag ausgewählt und bearbeitet.

Die Bearbeitung beschränkt sich dabei im Wesentlichen auf das sorgfältige Entfernen störender Spritzer, kleinere Korrekturen des Weißabgleichs sowie gegebenenfalls Anpassungen der Belichtung.

Diese asymmetrischen, offenen und teilweise zerrissenen Formen entstehen, wenn Tropfen noch nicht perfekt zentriert sind, Druck oder Winkel leicht abweichen oder Flüssigkeiten aneinander vorbeigleiten. Der Zufall übernimmt dann einen Teil der Gestaltung, wobei ich manchmal gerade an einem solchen Zufallsbild weiterarbeite. Nicht selten entwickelt sich daraus eine neue Bildidee.

Genau darin liegt ein besonderer Reiz. Während die geplanten Figuren häufig Bewunderung für ihre Präzision hervorrufen, regen die ungeplanten Formen oft stärker die Fantasie an.

Jeder Betrachter entdeckt etwas anderes darin.

In diesem Beitrag geht es nicht um die perfekten Figuren, sondern um die überraschenden Ergebnisse jenseits der Planung. Für mich sind diese Zufallsfiguren inzwischen den präzise konstruierten Wasserskulpturen fast ebenbürtig und bereichern mein Archiv.

Die folgenden Bildpaare zeigen jeweils links eine gezielt aufgebaute Figur und rechts eine während der Chaosphase entstandene Zufallsfigur.

Vielleicht entdecken Sie gerade in den ungeplanten Figuren etwas, das ich selbst in der Aufnahme gar nicht gesehen habe. Denn manchmal erzählt der Zufall die interessantere Geschichte.

Vielen Dank für Ihre Begleitung auf die „andere Seite von Blubb“.

Der Beitrag The Other Side of Blubb erschien zuerst auf Michael Guggolz.

Irgendwann war die Motivation weg.
Nicht plötzlich – eher schleichend. Die Kamera war auf dem Stativ montiert, aber die Begeisterung verblasste, und obwohl in meinem Tropfenstudio technisch alles gut funktionierte, fühlte sich, trotz guter Bilder, fotografisch nichts mehr lebendig an. Ich steckte fest.

Kennen Sie das?

Dann möchte ich Ihnen von meinem Weg aus dieser kreativen Sackgasse erzählen – und davon, warum ausgerechnet die Straßenszene mein fotografisches Denken und mein Verhältnis zur Tropfenfotografie komplett verändert hat.

Der ungewöhnliche Einstieg

Viele Fotografen beginnen breit gefächert: Landschaft, Portrait, vielleicht Makro – und irgendwann kristallisiert sich eine Lieblingsrichtung heraus.

Bei mir war es anders.
Ich startete direkt mit einer extremen Spezialisierung: der Tropfenfotografie, einer Disziplin der Highspeed-Fotografie. Ein ungewöhnlicher Einstieg, denn dafür braucht man zwar viel Technik und noch mehr Geduld, aber anfangs relativ wenig fotografisches Grundwissen.

Mich faszinierte schlicht die Magie und die Vielfalt dieser Wasserfiguren. Die flüchtigen, mit bloßem Auge kaum sichtbaren Skulpturen wirkten wie Aliens aus einer anderen Welt. Also wollte ich möglichst bald solche spektakulären Tropfenfotos belichten – und ehrlich gesagt: Von Fotografie hatte ich damals kaum Ahnung.

Aber ich hatte Begeisterung. Und einen Raum, der sich mehr und mehr in ein kleines Labor, eine Werkstatt und ein Tropfenstudio verwandelte.

Warum Spezialisierung zunächst ein Geschenk ist

Spezialisierung hat enorme Vorteile. Fortschritte werden relativ schnell sichtbar, Abläufe automatisieren sich, die technische Sicherheit wächst. Genau daraus entsteht oft Kreativität.

Denn sobald das Gehirn nicht mehr permanent mit den Grundlagen beschäftigt ist, bleibt Raum für Gestaltung. Routine ist deshalb keineswegs automatisch der Feind der Kreativität – im Gegenteil: Sie schafft technische Freiheit.

Wer jahrelang an einem fotografischen Thema arbeitet, entwickelt Präzision, Sicherheit und irgendwann vielleicht sogar Expertise.

Oder – um es anders und sehr vereinfacht auszudrücken:
irgendwann wusste ich ziemlich genau, wo und wann soundso viele Tropfen bei welchen Millisekunden kollidieren müssen, damit eventuell etwas Spannendes passiert.

Wenn Routine plötzlich zum Käfig wird

Der Physiker Viktor Weisskopf formulierte einmal:

„Ein Experte ist, wer immer mehr über immer weniger weiß, bis er schließlich alles über nichts weiß.“

So drastisch würde ich es nicht formulieren – aber dieser Gedanke trifft einen kritischen Punkt.

Die anfänglich schnellen Fortschritte werden geringer. Der Aufwand steigt. Man verliert sich in Details, optimiert Kleinigkeiten und merkt irgendwann: Die Bilder werden zwar technisch besser, aber die Jagd nach der perfekten Figur wird immer aufwändiger.

Genau dort beginnt das Problem.

Perfektionismus – Motor und Bremse zugleich

Perfektionismus gehört zur Fotografie wie Licht und Schatten.

Die positive Seite treibt uns an: besser sehen, besser komponieren, exakter arbeiten. Dieser Anspruch kann ein enormer Lernmotor sein.

Die negative Seite beginnt dort, wo Freude durch Ungeduld ersetzt wird. Wenn Bilder nicht mehr begeistern, sondern nur noch bewertet werden. Wenn der Blick zuerst auf den Fehler fällt und nicht mehr auf Stimmung oder Ausdruck.

Wer ausschließlich in einem fotografischen Bereich arbeitet, entwickelt außerdem oft unbewusst feste Muster:
gleiche Perspektiven, gleiche Lichtführung, gleiche und oft bewährte Abläufe. Überraschungsmomente werden seltener oder bleiben aus.

Das Ergebnis ist nicht Stillstand im technischen Sinn – sondern kreative Stagnation.

Der entscheidende Schritt: Abwechslung

Für einen befreundeten Sportkollegen war an diesem Punkt Schluss. Selbst neue Kameras und hochwertige Objektive änderten daran nichts. Man kann kreative Probleme eben nur begrenzt mit Kreditkarten lösen.

Für mich dagegen war Fotografie längst zu einem wichtigen Inhalt geworden. Also musste sich etwas verändern.

Das Schlüsselwort lautete: Abwechslung.

Durch Artikel auf fotowissen.eu und gemeinsame Fotowalks mit Dirk Trampedach entdeckte ich die Streetfotografie – heute meine zweite große fotografische Leidenschaft. Und sie hätte kaum gegensätzlicher sein können.

Studio gegen Straße

Tropfenfotografie ist Kontrolle.

Streetfotografie ist Kontrollverlust.

Im Studio kann man Licht und Kameraeinstellungen exakt planen. Abgesehen von Timing, Füllständen, Viskositäten usw. bleibt vieles konstant.

Auf der Straße ist das Gegenteil der Fall:
Licht verändert sich permanent, Menschen bewegen sich unvorhersehbar, Situationen entstehen und verschwinden innerhalb von Sekunden.

An dieser Stelle wurde mir klar:
Ich beherrschte meine Kamera längst nicht so gut, wie ich gedacht hatte. Ich musste mich intensiv mit Autofokus-Modi, Belichtungsmessung und Kamerakonfiguration beschäftigen.

Dazu kam etwas völlig Neues: der Umgang mit Menschen.

Denn Streetfotografie bedeutet nicht nur fotografische Aufmerksamkeit, sondern manchmal auch Überwindung. Wer mit einer Kamera sichtbar auf Menschen reagiert, mit der Kamera in der Hand im urbanen Bereich unterwegs ist, bewegt sich außerhalb seiner Komfortzone – und gelegentlich auch außerhalb seines Ruhepulses. Die Reaktionen sind sehr unterschiedlich, oftmals überkritisch, obwohl man sich völlig korrekt verhält. Aus meiner Erfahrung kann man sich mit ein paar Sätzen auf solche Fälle vorbereiten, um Eskalationen zu vermeiden.

Hinzu kommen rechtliche Fragen, insbesondere zu Persönlichkeitsrecht, Kunsturhebergesetz und den praktischen Auswirkungen der DSGVO. Gerade im deutschsprachigen Raum sollte man sich damit unbedingt beschäftigen.

Durch unterschiedliche fotografische Techniken, z.B. eine bewusst gesetzte Unschärfe, längere Belichtungszeiten, Kamerabewegung während der Belichtung kann man diesen Anforderungen entsprechen. Auch diese Stilmittel müssen erlernt und geübt werden.

Warum genau diese Gegensätze so wertvoll sind

Heute sehe ich beide Genres als perfekte Ergänzung in meiner Fotografie.

Die Tropfenfotografie lehrt Präzision, Geduld und technisches Denken.
Die Streetfotografie trainiert Reaktionsfähigkeit, Intuition und den Blick für den entscheidenden Moment.

Das Spannende daran ist:
Zusätzliche Kenntnisse entstehen und Fortschritte im einen beeinflussen plötzlich auch den anderen Bereich.

Neue Sehgewohnheiten, andere Emotionen und ungewohnte Arbeitsweisen bringen frische Ideen mit sich. Kreativität entsteht eben oft genau dort, wo unterschiedliche Ansätze aufeinandertreffen. Das Eine profitiert vom Anderen.

Oder einfacher gesagt:
Manchmal braucht man erst die Unruhe und das Chaos der Straße, um das Chaos im Tropfenstudio kreativ zu ordnen. Die Faszination ist zurück. Kein Ende in Sicht.

Mein Fazit

Fotografie ist für mich heute eine der vielseitigsten Formen kreativen Ausdrucks.

Wer sich ausschließlich in einem Bereich bewegt, gewinnt zwar Tiefe – riskiert aber auch kreative Enge. Ein neues fotografisches Genre dagegen erzeugt wieder Unsicherheit, Neugier und damit Lernbereitschaft.

An dieser Stelle beginnt die Entwicklung. Heute wechsle ich regelmäßig zwischen Street- und Tropfenfotografie und versuche bewusst, Routinen immer wieder aufzubrechen, indem ich auch in beiden Disziplinen variiere. Denn am Ende geht es nicht nur darum, bessere Bilder zu belichten, sondern darum, die Freude am Fotografieren lebendig zu halten.

Ich wünsche allen Leserinnen und Lesern viel Freude beim Experimentieren – und den Mut, fotografisch auch einmal völlig neue Wege zu gehen.

Der Beitrag Vom Tropfen zur Straße erschien zuerst auf Michael Guggolz.

„Das ist ein Stereobildbetrachter, so um 1920“, sagte eine Stimme. Sie gehörte zu einem älteren Herrn, der sofort erkannt hatte, dass ich mit dem hölzernen Apparat in meinen Händen herzlich wenig anzufangen wusste. „Du musst den Schlitten verschieben, bis das Bild im Drahtrahmen scharf wird“, erklärte er geduldig.

Er saß hinter einem Tisch, der sich unter alten Faltkameras bog und grinste mich verschmitzt an. Das war ein perfekter Auftakt.

Altglas trifft Moderne.

Vor etwa zwei Jahren hatte ich Jürgen bei der Vorbereitung meiner Ausstellung zur Tropfenfotografie kennengelernt. Aus der Begegnung entstand eine Freundschaft. Jürgen verfügt über profundes Wissen zu alten Kameras und Objektiven – und über eine bemerkenswerte Tüftlerleidenschaft. Er hat eine Methode entwickelt, sogenanntes „Altglas“ an moderne Kameras zu adaptieren. Sein lakonisches Motto: „Adaptieren kann ich alles – die Frage ist nur, ob es Sinn macht“.

Dieses System wollte er auf der Fotobörse in Stuttgart vorstellen und nebenbei einige seiner Kamera- und Objektiv-Raritäten anbieten. Für mich war klar: Das lasse ich mir nicht entgehen. Also bestückten wir gemeinsam einen von vielen Tischen in langer Reihe mit seinen Schätzen.

Treffpunkt für Gleichgesinnte.

Die Börse war gut besucht. Menschen jeden Alters schlenderten durch die Gänge. Manche stöberten scheinbar ziellos, andere mit präzisem Suchauftrag. Überall wurde geprüft, gedreht, geklickt. Verschlüsse schnappen noch immer so satt wie vor 80 Jahren. Und immer wieder dieses besondere Funkeln in den Augen, wenn jemand fündig wurde.

Mechanik mit Geschichte

Während Jürgen gerade einer Kundin sein Adaptersystem für ein Diaplan-Objektiv an eine Canon RF erklärte, mischte ich mich unter die Besucher. Meine Kamera mit 35mm f 1,8 umgehängt, streifte ich durch diese besondere Mischung aus Technikbegeisterung und Nostalgie.

Die Auslagen waren so vielfältig wie ihre Besitzer. Auf den Tischen: Mahagoni und Messing. Faltkameras mit Balgen wie kleine Akkordeons. Stereokameras mit doppeltem Blick, winzige Apparate, kleiner als eine Handfläche und vieles mehr. Platten- und Faltkameras, kistenweise Objektive mit klangvollen und längst vergessenen Namen. Das meiste gepflegt und funktionsfähig, manches mit Patina, aber alles mit Geschichte und bereit für ein weiteres Kapitel.

Sammleraugen und wenn Vernunft Pause hat.

An manchen Tischen lauschte ich angeregten Fachgesprächen. Es wurde über Seriennummern diskutiert, Produktionsjahre und über seltene Varianten. Ein Mann zeigte mir strahlend eine ergatterte Rollei und berichtete von seiner Leidenschaft. Er besitze alle Exemplare einer bestimmten Reihe, in Blau und Weiß – inklusive der Gold – Platin – Titanium Edition von 1968. Nur 444 Stück habe es gegeben, sagte er stolz, seine trüge die Nummer 44

– originalverpackt.

Sammeln um des Sammelns willen? Vielleicht. Aber vor allem: Leidenschaft.

Ein anderer Herr inmitten seiner wunderschönen alten Stücke, erzählte mir, dass er ein Leben lang gesammelt habe. Er habe inzwischen ein gewisses Alter erreicht, sei jedoch gesundheitlich angezählt und seine Kinder und Enkel könnten mit seiner Begeisterung nichts anfangen. Bevor alles irgendwann wahllos verteilt werde, gebe er seine Stücke lieber in andere, kundige Hände. Es klang ein bisschen nach Abschied- aber auch nach Verantwortung.

Am schönsten war jedoch die Geschichte eines Anbieters, der eine frisch restaurierte Plattenkamera verkaufen wollte und mir achselzuckend zwei weitere zeigte, die er eben erst erstanden hatte. Er habe einfach nicht widerstehen können. Jetzt müsse er diese beiden zuerst ebenfalls restaurieren, bevor er sie als Dreier-Set verkaufen könne.

Vernunft? Nebensache. Leidenschaft? Hauptsache.

Mehr als ein Foto-Markt.

Immer wieder fragte ich, ob ich fotografieren dürfe – was mir meist bereitwillig gestattet wurde und so fotografierte ich Material, Mechanik, Hände im Gespräch, wie es mir möglich war.

Als die Börse schloss war ich ziemlich froh, kein ausgeprägtes Sammler-Gen zu besitzen. Und zugleich war ich beindruckt von der Ernsthaftigkeit und Hingabe dieser Szene. Es war eine lehrreiche und inspirierende Erfahrung. Und falls sich die Gelegenheit bietet: Unbedingt hingehen. Es lohnt sich.

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Ein Mentor ist ein erfahrener Wegbegleiter, der sein Wissen und seine Erfahrung teilt, Impulse gibt und den eigenen Weg fördert. Neben fachlichen Themen spielen auch Offenheit und Ehrlichkeit eine wesentliche Rolle.

Dirk Trampedach ist nicht nur mein Freund, sondern in Sachen Fotografie mein Mentor (auch wenn er das wahrscheinlich nicht so gerne hört). Fakt ist jedenfalls, dass er mir die Street Fotografie nahegebracht hat und seine Artikelreihe auf fotowissen.eu war für mich die Basis für meine wortwörtlich ersten „Geh-Versuche“ in der Straßenfotografie.

Die wesentlichen Voraussetzungen für einen gemeinsamen Fotowalk waren also gegeben, fehlte nur noch ein Termin. Wir verabredeten uns für das zweite Advent Wochenende in Freiburg. Dirk war vernünftig und nahm die Autobahn von Siegen. Ich fahre auch lieber Auto, entschied mich aber für den Bummelzug mit Umsteigen, inklusive Nostalgie-Tempo und somit Zeit, mir ein paar Aspekte der Street Fotografie in Erinnerung zu rufen. Der Vorteil war, dass wir abends gemeinsam zu mir nach Hause in den Hochschwarzwald fahren konnten.

Ich war fast zwei Stunden zu früh in Freiburg und hatte schon ein paar Fotos im Kasten, als wir uns, wie verabredet, am Hauptbahnhof trafen.

Kurze Begrüßung. Umarmung… alles gut? Klar. Geht´s los? … wohin?

Sowieso schon in der Bahnhofregion, ist unser erstes Ziel die blaue Brücke -oder korrekt die Wiwi- benannt nach der nicaraguanischen Partnerstadt Wiwili. Die Brücke ist blau, mehr oder weniger, überspannt die Gleise zum Bahnhof und wer in Freiburg unterwegs ist, kommt früher oder später drüber. Sie ist die Radfahrer- Hauptschlagader und verbindet Freiburg mit allem anderen und die Radfahrer selbst mit dem festen Glauben, Vorfahrt sei eine innere Grundhaltung und gelte in ganz Freiburg. Nicht ganz ungefährlich für Fußgänger und Autofahrer.

Immerhin bietet die Brücke nicht selten tolle Motive für Street- Fotografen und wir nehmen tatsächlich ein paar Fotos mit. Es ist ein nebliger, kühler Samstagmorgen, oder in Freiburger Mundart ausgedrückt … schuudrig … und nach einer Runde durch den Stadtteil Stühlinger, bietet sich die Gelegenheit für eine erste Kaffeepause in der Cafeteria des Radparkhauses, mit Blick auf die Stadt.

Gemächlich schlendern wir anschließend in Richtung Altstadt, vorbei an der Uni Bibliothek, in deren Glasfronten sich viele Motive spiegeln, weiter zum alten Rathaus. Der relativ kleine Platz wird fast vollständig ausgefüllt durch die Stände des Weihnachtsmarkts und entsprechend viel Publikum. Überall Lichter, Stimmen, Düfte. Immer wieder bleibt einer von uns stehen, macht ein Foto, manchmal sehen wir ein Motiv fast gleichzeitig. Ich werde gemaßregelt von einer auffällig gekleideten Frau, weil ich aus niederer Perspektive über den Straßenbahngleisen fotografiere… „wie wär’s mit vorher fragen“… keine Ahnung, wie ich das auf die Schnelle vorher hätte machen sollen. DSGVO lässt grüßen.

Wir gehen durch Hauptgeschäftsstraßen zum Münster, dem Wahrzeichen der Stadt. Manche Kunsthistoriker bezeichnen den Münsterturm, aufgrund seines durchbrochenen Turmhelms, als schönsten Turm der Christenheit. Der Münsterplatz ist brechend voll. Wir schieben uns im Gedränge einmal rund ums Münster und müssen darauf achten, uns nicht zu verlieren. Offensichtlich kommt hier alles zusammen; letzte Weihnachtseinkäufe, Wochenmarkt, Touristen und die Gelegenheit zu einem Imbiss. An fotografieren ist für mich nicht zu denken; zwar gäbe es sicher genügend Motive, aber ich kann sie nicht mehr erkennen. Ich sehe den Wald vor lauter Bäumen nicht. Nichts wie weg! Wir entkommen dem Zwiebel-Bratwurst Geruch durch verwinkelte Gassen, streifen durch das charmante Konviktgässle, durch die Markthalle zur Gerberau und belichten auf dem Weg noch das eine oder andere Foto. Die Gerberau war bereits im dreizehnten Jahrhundert Teil der Vorstadt zwischen Martinstor und Schwabentor. Freiburg bietet viele besondere Ecken und Plätze und damit gute Gelegenheiten zur Street Fotografie.

Wir haben auch analoge Kameras mitgenommen und Dirk gibt mir eine Einführung in meine Kamera. Aber meine Auffassungsmöglichkeiten sind mittlerweile erschöpft und so belassen wir´s dabei. Sicher finden wir noch weitere Gelegenheiten dafür. Stattdessen steuern wir wiederum ein Kaffee an, genießen Kaffee und Kuchen und reden über etwas anderes als Fotografie.

Es ist inzwischen schon Nachmittag und mir kommt eine Idee. Wenn wir Glück haben, könnten wir auf dem Heimweg über den Schauinsland, Freiburgs 1284m hohen Hausberg, vielleicht noch ein paar Fotos von den Windbuchen im Nebel…über dem Nebel in die Rheinebene… im Sonnenuntergang… und tatsächlich…

Aber das ist dann eine andere Geschichte.

Der Beitrag Freiburg ungestellt. erschien zuerst auf Michael Guggolz.

Patagonien ist bekannt für sehr raue Wetterverhältnisse, bisher hatten wir auf unserer Reise jedoch unglaubliches Wetterglück und ich hatte bereits Hunderte von Fotos aller Hotspots belichtet, die wir uns vorgenommen hatten. Inzwischen waren wir weit im Süden Patagoniens angekommen, genauer bei Él Chaltén, einem kleinen Dorf am Fuß einer spektakulären Bergkette, mit berühmten Bergen wie dem Cerro Fitz Roy und dem Cerro Torre. Seit zwei Tagen machten Starkwind und horizontal fliegende Regenschauer größere Unternehmungen unmöglich und tief hängende Wolkenbänke verhinderten jegliche Sicht auf die Berge. Ich wusste genau, wo im dichten Grau dieser eine Berg stand, dessen Name jedem Bergsteiger bekannt ist und den ich unbedingt sehen wollte. Ein Berg mit einer ganz besonderen Geschichte. Ein Sehnsuchtswort. Der Cerro Torre.

Eine besondere Geschichte des Alpinismus

Die Namen Cesare Maestri und Cerro Torre sind untrennbar miteinander verbunden- in einer der kontroversesten Geschichten des Alpinismus.

Der Berg

Cerro Torre.

An der Grenze zwischen Chile und Argentinien steht ein Granitturm, 3128 Meter hoch, der aufgrund seiner senkrechten, vereisten Wände und der extremen Wetterbedingungen als einer der schwierigsten Berge der Welt gilt.

Der Bergsteiger

Cesare Maestri (1929-2021), die „Spinne der Dolomiten“, war wohl der beste Kletterer seiner Zeit- fähig, stark, entschlossen, furchtlos. Der Cerro Torre war für ihn die ultimative Herausforderung.

1959 besteigen Cesare Maestri und Der Österreicher Toni Egger den für unbesteigbar geltenden Cerro Torre. Die Expedition endet im Desaster. Egger kommt beim Abstieg in einer Lawine ums Leben, Maestri überlebt und berichtet das Drama. Experten bezweifeln bis heute diese Erstbesteigung, weil keinerlei Beweise, wie Ausrüstungsgegenstände, Fotos oder Routenverlauf existieren. Es gibt keinen Hinweis darauf, dass Maestri und Egger den Gipfel erreicht haben. Diese Diskussion belastet Maestri und wird zur Tragik seines Lebens. Zuerst gefeiert, wird er nun angezweifelt. Seine außergewöhnlichen Fähigkeiten, sein Ehrgeiz verwandeln sich in Verbitterung und werden zum Trauma.

Symbol der Verzweiflung

Die Kompressor-Route.

Um seine Reputation zu verteidigen kehrt Maestri 1970 mit einem Team zum Cerro Torre zurück. Er benutzt eine Bohrmaschine und einen Benzinkompressor und treibt, in einem beispiellosen Gewaltakt, über 400 Bohrhaken in den Granit der Südostwand.

Er erreicht den höchsten Punkt, den vereisten Gipfelpilz, jedoch nicht und erklärt kurzerhand, der Felsgipfel sei der wahre Gipfel. Die Fachwelt reagiert mit Empörung.

Meine Chance

Ich war unruhig. Für den nächsten Tag,es war unser Abreisetag, hatte der Wetterbericht ein kurzes Wetterfenster zwischen neun und zehn Uhr angekündigt. Meine Begleiter waren bereit, bis zwei Uhr nachmittags auf mich zu warten und so startete ich um vier Uhr morgens. Es war immer noch bewölkt, windig und dunkel, doch das war ich von vielen alpinen Touren gewohnt. Ich hatte mich vorbereitet, die Orientierung mit Stirnlampe war kein Problem, der Rucksack leicht. Außer einer Trinkflasche, meiner Kamera, einem 70-200mm f2,8 und einem 24-70mm f2,8 Objektiv nahm ich nichts mit. Das Wetter besserte sich, ich bewegte mich leicht und nach fünf Stunden war ich vor Ort. Ich sah den Berg, den ich zwar von Fotos kannte, dessen wahre Dimensionen mir aber erst jetzt klar wurden. Ich war gerade rechtzeitig vor Ort. Die Sonne stach durch Wolkenlöcher, der Himmel riss auf. Vor mir stand der fantastische, senkrecht aufragende Granitpfeiler, der meine Fantasie beschäftigt hatte. Durch das schlechte Wetter der Vortage lag etwas Neuschnee auf den Flanken. Kaum vorstellbar, dass diese vollkommen glatt erscheinenden Wände frei bestiegen wurden, ganz zu schweigen von der strahlend weißen Eiskappe am Gipfel.

Ich wechselte das Objektiv und kontrollierte das Histogramm. Dieses Foto musste gelingen. Es blieb kaum Zeit, schon zogen die ersten Wolkenschleier wieder vor den Gipfel. Am besten Aussichtspunkt fotografierte ich diesen wunderbaren Berg mit meinem 200 mm Objektiv und begann den Rückweg. Ich war vollkommen alleine unterwegs und musste auf der steilen Moräne sehr auf meine Schritte achten. Als ich am Gletschersee vorbeikam, konnte ich noch das Bild für einen Bericht auf „fotowissen“ mitnehmen. Es verdeutlichte mir die Geschichte dieses Berges und die dazugehörige, persönliche Tragödie Maestris noch einmal. Da ich kein Stativ hatte und nach der Anstrengung eine ruhige Kamerahaltung nicht mehr möglich war, stapelte ich zwei flache Steine knapp über der Wasserlinie, positionierte meine Kamera und wählte den Ausschnitt, stellte den Timer auf zwei Sekunden und löste aus.

Nach zehn Stunden kam ich müde, aber noch rechtzeitig zurück. Der Ausflug hatte sich gelohnt.

Heute sind die Bohrhaken weitgehend entfernt und der Cerro Torre wurde frei bestiegen. Der Bericht Maestris gilt als wahrscheinlich erfunden, aber seine Expeditionen zum Cerro Torre haben die Diskussion über Ehrlichkeit, Ethik und Stil im Alpinismus nachhaltig geprägt.

Maestri blieb übrigens bis zu seinem Tod bei seiner Version, dass er und Egger 1959 den Gipfel erreicht hätten. Er sprach kaum noch über den Cerro Torre und starb im Alter von 92 Jahren in einer Mischung von Trotz, Schmerz und Einsamkeit. Nur er selbst kannte die Wahrheit.

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Bokeh – Definition, Varianten und Rezept

Der Begriff stammt aus dem japanischen, soviel wusste ich, ansonsten lag dessen Bedeutung für mich irgendwo zwischen Lampion und Lichterkette, verbunden mit einer diffusen Vorstellung einer zarten, fast mystischen Ästhetik.

Definition.

Bokeh per definitionem: „Die ästhetische Qualität der Unschärfe in unscharfen Bildbereichen“

Darüber musste ich zunächst einmal nachdenken.

Varianten.

Bokeh Varianten: Swirley, Twist, Katzenaugen, Soap Bubble, Zwiebelringe, Blendenlamellen, Vintage Objektive…

Meine Verwirrung nahm zu. Das Ganze war doch ziemlich kryptisch und das Thema komplexer, als ich dachte.

Rezept.

Bokeh: entsteht in Abhängigkeit von Blende, Brennweite, Abstand zum Motiv und Abstand zum Hintergrund.

Aha! Offenblende, lange Brennweite, nahe ans Motiv, Hintergrund weiter weg.. Das klang nun immerhin nach einer konkreten Anleitung, einem Rezept.

Theorie und Ameisenbiss. Aha-Effekt mit 70-200mm.

Soweit theoretisch vorbereitet und technisch ausgerüstet mit einem Zoom Objektiv 70-200mm f2,8 und einem Lens Baby Sweet 50mm f2,8 begab ich mich in unserer Gartenflora auf die Suche nach dieser ungewissen, geheimnisvollen Unschärfe – und fand zuallererst die Schärfe heftiger Ameisenbisse. Im Gras zu liegen hat eben auch Nachteile.

Die ersten mehr oder weniger scharfen Blütenfotos waren wenig spektakulär. So kam ich nicht weiter. Es dauerte, bis ich begriff, dass ich mehr auf den Hintergrund achten, sozusagen am Hauptmotiv vorbeischauen musste. Ich durfte nicht nur das Motiv fixieren, sondern musste die Umgebung und das „Drumherum“ in meine Wahrnehmung einbeziehen. Inzwischen stand die Sonne schon tiefer, Strahlen blitzten durch die Hecke und plötzlich waren sie da: ätherisch leuchtende Kreise, anmutige Aliens aus Licht. Das war es also. Die Lichtquellen im Hintergrund sind der Schlüssel, diese Wesen hervorzulocken.

Learning by doing.

In den nächsten Tagen experimentierte ich weiter. Mit längerer Brennweite wurden die Bokeh Kreise weicher und größer, der Hintergrund löste sich mit wachsendem Abstand in Unschärfe auf. Ich verfeinerte meine Vorgehensweise, fokussierte manuell vor oder hinter das Motiv, mal mehr, mal weniger und konnte so die Schärfentiefe vollkommen ausblenden. Teilweise fotografierte ich bewusst unscharf. Dabei entstanden Fotos mit fast impressionistischem Charakter. Spannend war zu beobachten, wie weit man ein Foto durch die Veränderung von Blende und Fokus verfremden konnte, bis nur noch farbige Muster übrigbleiben. Besonders gefiel mir, wenn das Motiv innerhalb der Bokeh Kreise noch schemenhaft erkennbar blieb, verbunden mit einem scharfen Bereich, der dem Auge Halt gibt und den Blick einfängt. Aber das ist letztlich Geschmackssache.

Wow mit Baby. Sweet Spot & Swirl

Ich wechselte das Objektiv. Das Lens Baby Sweet 50 hatte ich schon öfters in der Streetfotografie eingesetzt – ein manuelles Spezialobjektiv, das kreatives Arbeiten ermöglicht; sozusagen fotografischer Freestyle. Je offener die Blende, desto geringer wird der Schärfebereich, der sogenannte Sweet Spot und desto schwieriger das Fokussieren. Da bei bunten Blüten das farbige Fokus-Peaking kaum noch zu erkennen war, stellte ich auf monochrome Aufnahme um. Durch die Speicherung der RAW Daten bleiben die Farben für die Nachbearbeitung erhalten. Dieses Objektiv ermöglicht ein Twist oder Swirley Bokeh, einen wirbelnden, surrealen Hintergrund, der das scharf abgebildete Motiv umkreist.

Der Sweet Spot muss dabei nicht zwingend zentriert liegen. Durch Kippen der Linseneinheit kann man den Schärfebereich stufenlos zirkulär verschieben. Das erzeugt ovale Strukturen und eine gewisse Dynamik im weichen und verträumten Look und lenkt den Blick des Betrachters.

Mein Fazit.

Bokeh bedeutet nicht einfach, dass etwas unscharf ist. Es geht vielmehr darum, wie diese Unschärfe aussieht. Und darauf hat man als Fotograf erstaunlich viele Einflussmöglichkeiten: durch die Auswahl des Objektivs (Artikel zu Objektiven mit einem besonderen Bokeh finden sich bei fotowissen), die eigene fotografische Technik, die bewusste Gestaltung von Hintergrund und Schärfe, die Wahl des Lichts.

Bokeh ist nicht gleich Bokeh.

Es lässt sich qualitativ, technisch und ästhetisch sehr unterschiedlich empfinden. Form, Struktur, Übergänge, Farb- und Helligkeitsverlauf, alles spielt eine Rolle. Aber ein „objektiv bestes Bokeh“ gibt es nicht. Welche Empfindungen es auslöst und was dem Betrachter gefällt, bleibt so individuell wie das Bokeh. Genau das macht den Reiz aus, das hat Charme.

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Der Schritt in die neue Welt.

Die Stadt Bremerhaven war einer der größten Auswanderungshäfen im 19. und 20. Jahrhundert. Millionen von Menschen schifften sich hier ein, verließen ihr bisheriges Leben in Europa und wagten den Schritt in eine ungewisse Zukunft in Übersee.

Das Deutsche Auswandererhaus, ein preisgekröntes Museum im historischen Hafen, gibt Einblicke in die Migrationsgeschichte Deutschlands. Meine Eindrücke möchte ich Ihnen, in Verbindung mit einigen Fotos, gerne näherbringen.

Fotografieren im Museum.

Im Gegensatz zu vielen anderen Museen darf, gegen einen geringen Aufpreis, im Auswandererhaus fotografiert werden. Allerdings ist die Verwendung von Blitzgeräten oder Stativen aus verständlichen Gründen ausgeschlossen. Da auch alte Fotos und Movies gezeigt und zudem viele Exponate in Vitrinen und Schubladen präsentiert werden, war das Licht insgesamt ziemlich schwach. Eine Kamera mit guten Low Light Eigenschaften und einem großen Sensor, ist dann von Vorteil. Fotografiert habe ich im Modus M mit offener Blende, um viel Licht einfangen zu können und um gleichzeitig die Motive mit geringer Schärfentiefe frei zu stellen. Als allgemeine Faustregel gilt, mit einer Belichtungszeit zu beginnen, die dem Kehrwert der Brennweite entspricht. Diese Zeit kann aber durch die Bildstabilisatoren moderner Kameras deutlich verlängert werden. Obwohl ich mich um eine ruhige Kamerahaltung bemüht habe und die Bildstabilisierung eingeschaltet war, waren doch einige Fotos verwackelt. Anlehnen oder aufstützen sollte man jedoch vermeiden. Die ISO- Automatik wählte zum Teil eine Sensorempfindlichkeit bis zu meiner Einstellungsbegrenzung von 12800 ISO. Das resultierende Bildrauschen fand ich persönlich nicht störend, im Gegenteil eher passend zum historischen Bezug. Im RAW-Format kann das Rauschen nachträglich reduziert werden, wenn gewünscht. Fokussieren war bei diesen Lichtverhältnissen manchmal schwierig, sodass ich bei eingeschaltetem Fokus-Peaking und mit Hilfe der Fokuslupe manuell fokussieren musste. Es ist selbstverständlich, möglichst unauffällig zu fotografieren, um niemanden zu stören. Außerdem gilt, wie in der Street Fotografie, die DSGVO.

Migration und Zusammensetzung der Bevölkerung.

Migration ist ein globales Phänomen und ein fester Bestandteil menschlicher Entwicklung. Seit Urzeiten bewegen sich Menschen über Grenzen hinweg, auf der Suche nach besseren Lebensbedingungen, Freiheit, Sicherheit oder auf der Flucht vor Verfolgung. Auch in heutiger Zeit wirkt Migration tief in soziale Gefüge hinein und verändert bestehende Gesellschaftsstrukturen bezüglich Kultur, Bildung, Arbeit, Wohnen, Zusammenleben und Politik.

Deutschland, Einwanderungs- und Auswanderungsland.

Deutschland ist ein Einwanderungsland – faktisch seit den 1950er Jahren der Nachkriegszeit und des Wirtschaftswunders – rechtlich und politisch anerkannt ab 2005, mit der Einführung des Staatsangehörigkeitsrechts und des Zuwanderungsgesetzes. Weitere Gesetze zur gesteuerten Zuwanderung folgten mit der Reform des Staatsbürgerschaftsrechts 2024.

Deutschland war und ist gleichzeitig auch ein Auswanderungsland. Zwischen 1820 und 1914 verließen über 5 Millionen Deutsche das Land. Gründe dafür waren u.a. Armut, Hunger, sowie religiöse und politische Verfolgung. Von 1933 bis 1945 flohen Hunderttausende vor dem Terror des Nationalsozialismus und dem Holocaust. Viele wanderten in die USA aus, aber auch nach Australien, Südamerika und andere Länder.

In heutiger Zeit verlassen etwa 250 000 Deutsche jedes Jahr das Land.

Die deutsche Auswanderungsgeschichte und die Fotografie sind in vielfältiger Weise miteinander verknüpft. Die Fotografie dient nicht ausschließlich der Erinnerung, sondern zeigt Migration, Eingliederung und Identitätswandel. Oft ließen deutschstämmige Auswanderer

Fotografien anfertigen, meist in Sonntagskleidung, um Anpassung und wachsenden Wohlstand zu zeigen. Diese Fotos sind heute wichtige Quellen in der Genealogie und der Migrationsforschung und damit Bindeglied zwischen Heimat und Fremde.

Emigration bedeutender deutscher Fotografen.

Zwischen 1933 und 1945 flohen bedeutende deutsche Fotografen vor dem Nationalsozialismus. Ihre Biografien sind hochinteressant und spannend zu lesen. Sie verdeutlichen, wie Fotografie eine dokumentarische Brücke zwischen Auswanderung und Einwanderung wurde und wie die Arbeiten deutscher Fotografen Einfluss auf die visuelle Kultur in den jeweiligen Ländern nahmen. Hier einige kurze Auszüge.

-Alfred Eisenstaedt (1898-1995), ein jüdischer Fotograf, floh 1935 in die USA und wurde mit über 90 Titelbildern zum Star- Fotografen des LIFE Magazine. Sein berühmtes Foto des küssenden Paares am V-J Day 1945 (Victory over Japan) auf dem Times Square, steht für das Ende des zweiten Weltkrieges und wurde als Zeichen der Hoffnung gewertet.

-Andreas Feininger (1906-1999) Sohn des Bauhaus-Künstlers Lyonel Feininger, emigrierte in die USA und wurde bekannt mit seinen streng komponierten Stadtlandschaften und Industriemotiven. Die Verbindung technischer Präzision und künstlerischem Blick beeinflusste Generationen von Architekturfotografen. Er veröffentlichte zahlreiche Fotolehrbücher, die heute zu den Standartwerken der Fotografie zählen.

– Grete Stern (1904-1999), emigrierte über London nach Argentinien. Ihre surrealen Fotomontagen wurden zum frühen Ausdruck feministischer Perspektiven in der Fotografie. Zusammen mit ihrem Ehemann Horacio Coppola, einem argentinischen Fotografen, präsentierte sie 1935 die erste Ausstellung moderner Fotografie in Buenos Aires.

-Erich Salomon (1886-1944), Sohn des jüdischen Bankiers Emil Salomon, war der Pionier des Fotojournalismus. 1931 veröffentlichte er das Buch „Berühmte Zeitgenossen in unbewachten Augenblicken“, das auch heute noch erhältlich ist. Seine diskreten Aufnahmen mit versteckter Kamera revolutionierten die politische Berichterstattung. Er war der erste Fotograf, der im Weißen Haus fotografieren durfte. 1933 floh er mit seiner Familie in die Niederlande, wurde denunziert und 1944 in Auschwitz ermordet.

-Fred Stein (1909-1967), Pionier der Kleinbildfotografie. Seine Flucht führte ihn von Dresden zunächst über Paris nach New York. Mit seiner gebraucht gekauften Leica I, der legendären Ur-Leica, fotografierte er zunächst Straßenszenen sowie politische und literarische Zirkel in Paris. Stein spezialisierte sich später zunehmend auf die Porträtfotografie und porträtierte die Berühmtheiten seiner Zeit. Seine bekanntesten Porträts zeigen u.a. Albert Einstein und Hannah Arendt. Seine Bilder erzählen von Anpassung, Fremdheit und Nähe. Ein fotografisches Echo seiner eigenen Biografie.

Weitere Namen emigrierter Fotografen sind Gisèle Freund, Joseph Breitenbach, Gerda Taro…….die Liste ist lang.

Eine Zeitreise im Auswandererhaus.

Das Auswandererhaus Bremerhaven ist mehr als ein Museum. Es ist eine Galerie, die 7,2 Millionen Auswanderungen dokumentiert und globale Migrationsgeschichte mit individuellen Schicksalen verknüpft. Die Eintrittskarte ist gleichzeitig ein persönlicher Boardingpass, der zur Zeitreise von Bremerhaven bis Ellis Island vor New York berechtigt. Man betritt die Wartehalle, steigt über nachgebaute Gangways in einen Schiffsrumpf, geht durch begehbare Rekonstruktionen der Schiffsräume. Kurz gesagt, man begibt sich auf eine Überfahrt und erreicht nach einer virtuellen Reise die Ankunftsräume auf Ellis Island und die Wartehalle Grand Central Station in New York.

Das interaktive Ausstellungskonzept vermittelt dabei ein authentisches Erlebnis durch Film-Szenen und Tondokumente, sogenannte Oral-History- Interviews, die zusätzlichen emotionalen Zugang bieten. Man fühlt sich ein, kann Teil nachgestellter Szenen werden und sich vorstellen, was diese Menschen erlebt hatten, bevor sie die Gangway betraten, mit welchen Erwartungen und welchem Herzklopfen sie in die Zukunft blickten. … „with hearts full of hopes and fears“… Biografien und Dokumente, sowie ca. 35000 Ausstellungsstücke geben Einblick in Einzelschicksale und Familiengeschichten. Zusätzlich gibt es viele weitere Möglichkeiten, einen außerordentlich interessanten Tag zu verbringen. Man kann durch Zugang zu internationalen Datenbanken eigene Familienforschung betreiben oder in Critical Thinking Stationen besonderen Fragestellungen nachgehen. Außerdem ist mit der Eintrittskarte eine reale Auswandererbiografie verknüpft, die über verschiedene Stationen verfolgt werden kann und die mich so beindruckt hat, dass ich diese Biografie antiquarisch erworben habe.

Nach einigen sehr interessanten Stunden habe ich das Deutsche Auswandererhaus mit einem besonderen Erlebnis nachdenklich verlassen. Im Gedächtnis die meist schwierigen Vorgeschichten der Auswanderungswilligen, die keine Möglichkeit auf die Fortführung ihres Lebens in ihrer Heimat mehr sahen, oder gar um ihr Leben fürchteten und alle Hoffnung auf eine ungewisse Zukunft in fremden Ländern setzten. Oft genug sind diese neuen Existenzen gescheitert und nicht alle konnten den Umständen in der alten Heimat entfliehen.

Migration gehört zu Deutschland in beide Richtungen und ist längst Teil unseres Alltags geworden. Sie verändert nicht nur, wer Teil einer Gesellschaft ist, sondern auch wie diese Gesellschaft funktioniert. Dieser Dynamik gerecht zu werden und die Integration positiv und Gewinn bringend zu gestalten, ist eine Herausforderung für unsere moderne Gesellschaft. Auch das wird im Deutschen Auswandererhaus in Bremerhaven deutlich thematisiert.

Mein Fazit: sehr empfehlenswert.

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Flugminute

oder ein Großvater versetzt sich in seine Enkelin

Eigentlich hat der Tag ganz gut angefangen. Erst die linke Brust ausgetrunken, dann nur so zum Spaß noch ein paar Schlückchen von der rechten und dann war ich geschafft. Aber ich sollte ja noch Bäuerchen machen. Komische Bezeichnung für aufstoßen, also rülpsen. Papa legt mich dazu über die rechte, Mama über die linke Schulter. Für sie ist rechts sowieso das andere links und mir ist das egal. Ich rülpse wenn ich muss und wann ich will. Also brav aufgestoßen und dann bin ich mit meinem Lieblingsbär nochmal weggepennt. Schnauze an Schnauze sozusagen. Wir fühlten uns wohl.

Und dann kam Oma!

Oma nahm mich hoch, nicht vertikal, sondern horizontal. Ein Manöver, von dem mir mein Wickeltischkumpel erzählt hat: Wenn du Pech hast, kommt der Fliegergriff, hat er gesagt. Jetzt liege ich auf Omas Unterarmen, bäuchlings. Sie will zur Nachbarin und ich muss mit. Oma fällt in einen forcierten Schritt. Der Boden unter mir schwebt davon…. Kurvenlage, Fliehkraft, ich fühle mich wie ein Wackeldackel. Oma pfeift dazu fröhlich vor sich hin und ich auf dem letzten Loch. Hab Flugzeuge in meinem Bauch. Von wegen Grönemeyer…

mir wird schlecht. Wenn das nicht sofort aufhört, spucke ich ihr Sauermilch vor die Füße.

Das mit dem Kotzen habe ich dann prima hinbekommen und die hintere Düse ist auch aufgegangen, kein Wunder bei dem Druck. Also ein voller Erfolg auf beiden Ebenen. Oma und die Nachbarin nähern ihre Gesichter meinem Hintern, rümpfen einhellig die Nasen und starten das volle Programm. Klamotten runter, Badewanne… so ähnlich stelle ich mir eine Dekontamination vor. Jetzt liege ich entspannt und frisch verpackt mit meinem Lieblingsbär Schnauze an Schnauze und denke mir: beim nächsten Fliegergriff sprenge ich die Dichtung. Das kann ich noch besser, Kleinigkeit.

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Was ist Das? Ein Spiel mit Farben und Formen.

Das sind abstrakte Fotos, ja. Aber was könnten sie darstellen?

Wasser (H2O) ist ein besonderes Medium und gilt als universelles Lösungsmittel. Ohne tief in die Chemie einzusteigen, sind zwei sich bedingende Eigenschaften besonders erwähnenswert.

1.: die Polarität, bedingt durch unterschiedliche Teilladungen der Wasserstoffatome und des Sauerstoffatoms.

2.: die Oberflächenspannung, resultierend aus den Anziehungskräften der polaren Wassermoleküle.

Wasser als Dipol ist also eine polare Flüssigkeit und mischt sich nicht mit unpolaren Flüssigkeiten. Anders ausgedrückt heißt das; Öl ist hydrophob, löst sich somit nicht in Wasser und schwimmt aufgrund der geringeren Dichte an der Oberfläche.

Das sind die Grundlagen für das folgende Fotoexperiment in meinem Studio.

Auf ein paar gestapelte Gläser habe ich eine lichtdurchlässige Acrylplatte als Diffusor gelegt und auf diese Basis eine Glasschüssel gestellt. Auf diese Weise hat man Platz darunter, kann von unten beleuchten und verschiedenfarbige Kartons oder ähnliches zur Farbgestaltung einsetzen. Mit Flächenleuchten und auch Taschenlampen wird das Licht nach oben geleitet. Kamera und Makroobjektiv wurden auf dem Stativ befestigt und mit etwa 20cm Abstand über dem Becken montiert. Diesen Aufbau muss man natürlich an die eigenen Platzverhältnisse und an seine Ausrüstung anpassen. Gewünscht ist eine geringe Schärfentiefe, deshalb habe ich im Modus M, Blende 2,8 – 4 bei ISO 200-500 fotografiert. Das hängt von den jeweiligen Lichtquellen ab. Weil die Kamera auf der Wasseroberfläche keinen Fokuspunkt finden kann, habe ich auf einen Papierschnipsel ein Kreuz gemalt, auf die Wasseroberfläche gelegt und manuell fokussiert. Jetzt gibt man langsam und vorsichtig einen Teelöffel Öl auf das Wasser. Weniger ist hierbei mehr, aber das ist Geschmackssache. Baby Öl eignet sich sehr gut, weil es im Gegensatz zu anderen Ölen keine Verunreinigungen hat und vor allem farblos ist. Nun entstehen mehr oder weniger große Ölblasen, die man mit einem Holzstäbchen, je nach persönlichem Empfinden, verschieben und eventuell sogar anordnen kann. Oder man überlässt es einfach den Adhäsionskräften und schaut den unterschiedlich großen, fluktuierenden und verschmelzenden Ölbläschen zu und löst im geeigneten Moment mittels Kabelauslöser aus.

In kurzer Zeit hat man einige Fotos auf der Speicherkarte. Man muss das Wasser wechseln, ändert die Farbgebung, setzt das Licht anders, oder verwendet mal etwas mehr Öl. Trotz des relativ geringen Aufwandes

sind die Gestaltungsmöglichkeiten vielfältig und auch wenn diese Art der Fotografie nicht neu ist, ist das kreative Spiel mit diesen zwei gegensätzlichen Flüssigkeiten doch sehr kurzweilig und interessante Fotos sind der Lohn.

Die für mich besten Abschnitte der Fotos habe ich in der Bildbearbeitung verfeinert. Ich wünsche für einen eventuellen Versuch in der Öl Wasser Fotografie viel Spaß und Erfolg.

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